Música electrónica -
Electronic music

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. con computadoras se demostró por primera vez en la misma década. . La música electrónica pop es más reconocible en su forma 4/4 y está más conectada con la corriente principal que las formas anteriores que eran populares en nichos de mercado.

Orígenes: finales del siglo XIX a principios del siglo XX

Portada de Scientific American en 1907, que demuestra el tamaño, el funcionamiento y la popularidad del Telharmonium

A principios del siglo XX, la experimentación con la electrónica emergente condujo a los primeros instrumentos musicales electrónicos . Estos inventos iniciales no se vendieron, sino que se utilizaron en demostraciones y actuaciones públicas. Al público se le presentaron reproducciones de música existente en lugar de nuevas composiciones para los instrumentos. Si bien algunos se consideraron novedades y produjeron tonos simples, el Telharmonium sintetizó el sonido de varios instrumentos orquestales con una precisión razonable. Logró un interés público viable e hizo avances comerciales en la transmisión de música a través de redes telefónicas .

Los críticos de las convenciones musicales de la época vieron prometedores estos desarrollos. Ferruccio Busoni fomentó la composición de música microtonal permitida por instrumentos electrónicos. Predijo el uso de máquinas en la música del futuro, escribiendo el influyente Sketch of a New Esthetic of Music (1907). Futuristas como Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo comenzaron a componer música con ruido acústico para evocar el sonido de la maquinaria . Predijeron expansiones en el timbre permitidas por la electrónica en el influyente manifiesto El arte de los ruidos (1913).

primeras composiciones

Leon Theremin demostrando el theremin en 1927

Los desarrollos del tubo de vacío condujeron a instrumentos electrónicos que eran más pequeños, amplificados y más prácticos para la interpretación. En particular, el theremín , las ondas Martenot y el trautonio se produjeron comercialmente a principios de la década de 1930.

Desde finales de la década de 1920, la mayor practicidad de los instrumentos electrónicos influyó en que compositores como Joseph Schillinger los adoptaran. Por lo general, se usaban en orquestas , y la mayoría de los compositores escribieron partes para el theremin que, de otro modo, podrían interpretarse con instrumentos de cuerda .

de ruido acústico .

Grabación de experimentos

mecánico . Los tocadiscos se convirtieron en un artículo doméstico común y, en la década de 1920, los compositores los usaban para reproducir grabaciones breves en actuaciones.

La introducción de la grabación eléctrica en 1925 fue seguida por una mayor experimentación con tocadiscos. Paul Hindemith y Ernst Toch compusieron varias piezas en 1930 superponiendo grabaciones de instrumentos y voces a velocidades ajustadas. Influenciado por estas técnicas, John Cage compuso Imaginary Landscape No. 1 en 1939 ajustando la velocidad de los tonos grabados.

Al mismo tiempo, los compositores comenzaron a experimentar con la tecnología de sonido en película recientemente desarrollada . Las grabaciones se podían unir para crear collages de sonido , como los de Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann y Dziga Vertov . Además, la tecnología permitió crear y modificar gráficamente el sonido . Estas técnicas se utilizaron para componer bandas sonoras para varias películas en Alemania y Rusia, además de las populares Dr. Jekyll y Mr. Hyde en Estados Unidos. Norman McLaren continuó los experimentos con sonido gráfico desde finales de la década de 1930.

Desarrollo: 1940 a 1950

Música de cinta electroacústica

La primera grabadora de cinta de audio práctica se presentó en 1935. Se realizaron mejoras en la tecnología utilizando la técnica de polarización de CA , que mejoró significativamente la fidelidad de la grabación. Ya en 1942, las grabaciones de prueba se estaban realizando en estéreo . Aunque estos desarrollos se limitaron inicialmente a Alemania, las grabadoras y las cintas se trajeron a los Estados Unidos después del final de la Segunda Guerra Mundial. Estos fueron la base para la primera grabadora de cinta producida comercialmente en 1948.

En 1944, antes del uso de la cinta magnética con fines compositivos, el compositor egipcio Halim El-Dabh , cuando aún era estudiante en El Cairo , utilizó una engorrosa grabadora de alambre para grabar los sonidos de una antigua ceremonia del zaar . Usando las instalaciones de los estudios de Middle East Radio, El-Dabh procesó el material grabado usando reverberación, eco, controles de voltaje y regrabación. Se cree que lo que resultó es la primera composición de música en cinta. El trabajo resultante se tituló La expresión de Zaar y se presentó en 1944 en un evento de una galería de arte en El Cairo. Si bien sus experimentos iniciales en composición basada en cinta no eran muy conocidos fuera de Egipto en ese momento, El-Dabh también es conocido por su trabajo posterior en música electrónica en el Centro de Música Electrónica de Columbia-Princeton a fines de la década de 1950.

Música concreta

Phonogene (1953), una máquina de cinta para modificar la estructura del sonido, desarrollada por Pierre Schaeffer et al. en GRMC
Pierre Schaeffer presentando el Acousmonium (1974) que constaba de 80 altavoces para reproducción de cintas, en GRM

Después de su trabajo con Studio d'Essai en Radiodiffusion Française (RDF), a principios de la década de 1940, a Pierre Schaeffer se le atribuye el origen de la teoría y la práctica de la musique concrète. A fines de la década de 1940, Schaeffer realizó por primera vez experimentos en composición basada en sonido utilizando tocadiscos de goma laca . En 1950, las técnicas de la música concreta se ampliaron cuando se utilizaron máquinas de cinta magnética para explorar prácticas de manipulación del sonido, como la variación de velocidad ( cambio de tono ) y el empalme de cinta .

El 5 de octubre de 1948, RDF transmitió el Etude aux chemins de fer de Schaeffer . Este fue el primer " movimiento " de Cinq études de bruits , y marcó el comienzo de las realizaciones de estudio y la musique concrète (o arte acusmático). Schaeffer empleó un torno de corte de discos , cuatro platos giratorios, un mezclador de cuatro canales, filtros, una cámara de eco y una unidad de grabación móvil. No mucho después de esto, Pierre Henry comenzó a colaborar con Schaeffer, una sociedad que tendría efectos profundos y duraderos en la dirección de la música electrónica. Otro asociado de Schaeffer, Edgard Varèse , comenzó a trabajar en Déserts , una obra para orquesta de cámara y cinta. Las partes de la cinta se crearon en el estudio de Pierre Schaeffer y luego se revisaron en la Universidad de Columbia.

En 1950, Schaeffer dio el primer concierto público (no retransmitido) de musique concrète en la École Normale de Musique de Paris . "Schaeffer usó un sistema de megafonía , varios tocadiscos y mezcladores. La actuación no salió bien, ya que nunca antes se había hecho un montaje en vivo con tocadiscos". Más tarde ese mismo año, Pierre Henry colaboró ​​​​con Schaeffer en Symphonie pour un homme seul (1950), la primera gran obra de musique concrete. En París en 1951, en lo que se convertiría en una importante tendencia mundial, RTF estableció el primer estudio para la producción de música electrónica. También en 1951, Schaeffer y Henry produjeron una ópera, Orfeo , para voces y sonidos concretos.

En 1951, el trabajo de Schaeffer, el compositor y percusionista Pierre Henry y el ingeniero de sonido Jacques Poullin habían recibido reconocimiento oficial y el Groupe de Recherches de Musique Concrète , Club d 'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française se estableció en RTF en París, el antepasado de la ORTF .

Música electrónica

Karlheinz Stockhausen en el Estudio de Música Electrónica de WDR, Colonia, en 1991
Cologne .

1954 vio el advenimiento de lo que ahora se consideraría auténticas composiciones eléctricas más acústicas: instrumentación acústica aumentada/acompañada de grabaciones de sonido manipulado o generado electrónicamente. Ese año se estrenaron tres obras principales: Varèse's Déserts , para conjunto de cámara y sonidos de cinta, y dos obras de Otto Luening y Vladimir Ussachevsky : Rhapsodic Variations for the Louisville Symphony y A Poem in Cycles and Bells , ambas para orquesta y cinta. Debido a que había estado trabajando en el estudio de Schaeffer, la parte de la cinta del trabajo de Varèse contiene sonidos mucho más concretos que electrónicos. "Un grupo formado por instrumentos de viento, percusión y piano se alternan con los sonidos mutados de ruidos de fábrica y sirenas y motores de barcos, provenientes de dos altavoces".

En el estreno alemán de Déserts en Hamburgo, que fue dirigido por Bruno Maderna , los controles de la cinta fueron operados por Karlheinz Stockhausen. El título Déserts sugería a Varèse no solo "todos los desiertos físicos (de arena, mar, nieve, del espacio exterior, de calles vacías), sino también los desiertos en la mente del hombre; no solo esos aspectos despojados de la naturaleza que sugieren desnudez, distanciamiento, atemporalidad, pero también ese remoto espacio interior al que no puede llegar ningún telescopio, donde el hombre está solo, un mundo de misterio y soledad esencial".

En Colonia, lo que se convertiría en el estudio de música electrónica más famoso del mundo, se inauguró oficialmente en los estudios de radio de la NWDR en 1953, aunque había estado en las etapas de planificación ya en 1950 y las primeras composiciones se hicieron y transmitieron en 1951. La creación de Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer y Herbert Eimert (quien se convirtió en su primer director), pronto se unieron al estudio Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig . En su tesis de 1949 Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , Meyer-Eppler concibió la idea de sintetizar música completamente a partir de señales producidas electrónicamente; de esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba claramente de la musique concrète francesa , que utilizaba sonidos grabados a partir de fuentes acústicas.

En 1953, Stockhausen compuso su Studie I , seguido en 1954 por Elektronische Studie II , la primera pieza electrónica publicada como partitura. En 1955 comenzaron a aparecer estudios más experimentales y electrónicos. Fueron notables la creación del Studio di fonologia musicale di Radio Milano , un estudio en la NHK en Tokio fundado por Toshiro Mayuzumi , y el estudio Philips en Eindhoven , Países Bajos, que se trasladó a la Universidad de Utrecht como Instituto de Sonología en 1960 . .

(2007).

musica electronica japonesa

Yamaha Magna Organ y el gabinete de tonos designado (1935)

El primer grupo de instrumentos musicales electrónicos en Japón, Yamaha Magna Organ , se construyó en 1935. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, compositores japoneses como Minao Shibata supieron del desarrollo de instrumentos musicales electrónicos. A fines de la década de 1940, los compositores japoneses comenzaron a experimentar con la música electrónica y el patrocinio institucional les permitió experimentar con equipos avanzados. Su infusión de música asiática en el género emergente eventualmente respaldaría la popularidad de Japón en el desarrollo de la tecnología musical varias décadas después.

Tras la fundación de la empresa de electrónica Sony en 1946, los compositores Toru Takemitsu y Minao Shibata exploraron de forma independiente los posibles usos de la tecnología electrónica para producir música. Takemitsu tenía ideas similares a la musique concrète , que él desconocía, mientras que Shibata previó el desarrollo de los sintetizadores y predijo un cambio drástico en la música. Sony comenzó a producir grabadoras de cinta magnética populares para uso público y gubernamental.

Sony ofreció acceso a la tecnología de audio emergente al colectivo de vanguardia Jikken Kōbō (Taller experimental), fundado en 1950. La compañía contrató a Toru Takemitsu para hacer demostraciones de sus grabadoras con composiciones e interpretaciones de cintas de música electrónica. Las primeras cintas electrónicas del grupo fueron "Toraware no Onna" ("Mujer encarcelada") y "Pieza B", compuesta en 1951 por Kuniharu Akiyama. Muchas de las cintas electroacústicas que produjeron se usaron como música incidental para radio , cine y teatro . También realizaron conciertos empleando una presentación de diapositivas sincronizada con una banda sonora grabada. Compositores fuera del Jikken Kōbō, como Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga y Shirō Fukai , también experimentaron con cintas de música radiofónica entre 1952 y 1953.

de 1951 "Concerto da Camera", en la organización de los sonidos electrónicos en "X, Y, Z for Musique Concrète" de Mayuzumi. , y más tarde en la música electrónica de Shibata en 1956. de 20 minutos de Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast".

musica electronica americana

En los Estados Unidos, la música electrónica se estaba creando ya en 1939, cuando John Cage publicó Imaginary Landscape, No. 1 , utilizando dos tocadiscos de velocidad variable, grabaciones de frecuencia, piano silenciado y platillos, pero sin medios electrónicos de producción. Cage compuso cinco "Paisajes imaginarios" más entre 1942 y 1952 (uno retirado), principalmente para conjunto de percusión, aunque el número 4 es para doce radios y el número 5, escrito en 1952, utiliza 42 grabaciones y se realizará como un disco magnético. cinta. Según Otto Luening, Cage también realizó un William [ sic ] Mix en Donaueschingen en 1954, utilizando ocho altavoces, tres años después de su supuesta colaboración. Williams Mix fue un éxito en el Festival de Donaueschingen , donde causó una "fuerte impresión".

El Proyecto Música para Cintas Magnéticas fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor y Morton Feldman ), y duró tres años hasta 1954. Cage escribió sobre esta colaboración: "En esta sociedad oscuridad, por lo tanto, el trabajo de Earle Brown, Morton Feldman y Christian Wolff continúa presentando una luz brillante, por la razón de que en los diversos puntos de notación, interpretación y audición, la acción es provocativa".

Cage completó Williams Mix en 1953 mientras trabajaba con Music for Magnetic Tape Project. El grupo no tenía instalaciones permanentes y tuvo que depender del tiempo prestado en estudios de sonido comerciales, incluido el estudio de Louis y Bebe Barron .

Centro de Columbia-Princeton

En el mismo año , la Universidad de Columbia compró su primera grabadora, una máquina Ampex profesional , para grabar conciertos. Vladimir Ussachevsky, que estaba en la facultad de música de la Universidad de Columbia, fue puesto a cargo del dispositivo y casi de inmediato comenzó a experimentar con él.

Herbert Russcol escribe: "Pronto se sintió intrigado por las nuevas sonoridades que podía lograr grabando instrumentos musicales y luego superponiéndolos unos a otros". Ussachevsky dijo más tarde: "De repente me di cuenta de que la grabadora podría tratarse como un instrumento de transformación del sonido". El jueves 8 de mayo de 1952, Ussachevsky presentó varias demostraciones de efectos/música de cinta que creó en su Foro de Compositores, en el Teatro McMillin de la Universidad de Columbia. Estos incluyeron transposición, reverberación, experimento, composición y vals subacuático . En una entrevista, afirmó: "Presenté algunos ejemplos de mi descubrimiento en un concierto público en Nueva York junto con otras composiciones que había escrito para instrumentos convencionales". Otto Luening, que había asistido a este concierto, comentó: "El equipo a su disposición consistía en una grabadora de cinta Ampex... y un dispositivo simple con forma de caja diseñado por el joven y brillante ingeniero Peter Mauzey, para crear retroalimentación, una forma de reverberación mecánica Otros equipos fueron prestados o comprados con fondos personales ".

Solo tres meses después, en agosto de 1952, Ussachevsky viajó a Bennington, Vermont, invitado por Luening para presentar sus experimentos. Allí, los dos colaboraron en varias piezas. Luening describió el evento: "Equipado con auriculares y una flauta, comencé a desarrollar mi primera composición para grabadora. Ambos improvisamos con fluidez y el medio disparó nuestra imaginación". Tocaron algunas piezas tempranas de manera informal en una fiesta, donde "varios compositores nos felicitaron casi solemnemente diciendo: 'Esto es todo' ('eso' significa la música del futuro)".

La noticia llegó rápidamente a la ciudad de Nueva York. Oliver Daniel telefoneó e invitó a la pareja a "producir un grupo de composiciones breves para el concierto de octubre patrocinado por American Composers Alliance y Broadcast Music, Inc., bajo la dirección de Leopold Stokowski en el Museo de Arte Moderno de Nueva York". vacilación, acordamos... Henry Cowell puso a nuestra disposición su casa y su estudio en Woodstock, Nueva York. Con el equipo prestado en la parte trasera del auto de Ussachevsky, salimos de Bennington hacia Woodstock y nos quedamos dos semanas... A fines de septiembre de 1952, el laboratorio itinerante llegó a la sala de estar de Ussachevsky en Nueva York, donde finalmente completamos las composiciones".

Dos meses después, el 28 de octubre, Vladimir Ussachevsky y Otto Luening presentaron el primer concierto de Tape Music en Estados Unidos. El concierto incluyó Fantasy in Space de Luening (1952), "una pieza impresionista virtuosa " que utiliza grabaciones manipuladas de flauta, y Low Speed ​​(1952), una "composición exótica que llevó la flauta muy por debajo de su rango natural". Ambas piezas fueron creadas en la casa de Henry Cowell en Woodstock, Nueva York. Después de que varios conciertos causaran sensación en la ciudad de Nueva York, Ussachevsky y Luening fueron invitados a una transmisión en vivo del Today Show de NBC para hacer una demostración de entrevista, la primera actuación electroacústica televisada. Luening describió el evento: "Improvisé algunas secuencias [de flauta] para la grabadora. Ussachevsky en ese momento las sometió a transformaciones electrónicas".

La partitura de Forbidden Planet , de Louis y Bebe Barron , se compuso en su totalidad utilizando circuitos electrónicos y grabadoras de cinta hechos a medida en 1956 (pero sin sintetizadores en el sentido moderno de la palabra).

Australia

CSIRAC, la primera computadora digital de Australia, exhibida en el Museo de Melbourne

La primera computadora del mundo para reproducir música fue CSIRAC , que fue diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías musicales populares de principios de la década de 1950. En 1951 se interpretó públicamente la Marcha del Coronel Bogey , de la que no se conocen grabaciones, sólo la fiel reconstrucción. Sin embargo, CSIRAC interpretó un repertorio estándar y no se usó para extender el pensamiento musical o la práctica de la composición. CSIRAC nunca se grabó, pero la música reproducida se reconstruyó con precisión. Las grabaciones más antiguas conocidas de música generada por computadora fueron reproducidas por la computadora Ferranti Mark 1 , una versión comercial de Baby Machine de la Universidad de Manchester en el otoño de 1951. El programa de música fue escrito por Christopher Strachey .

Mediados a finales de la década de 1950

. . El trabajo se realizó en el estudio WDR en Colonia. Dos músicos tocaban el piano, uno a la manera tradicional, el otro tocando las cuerdas, el marco y el estuche. Otros dos artistas usaron cintas para unir la presentación de sonidos en vivo con el futuro de los materiales pregrabados de más adelante y su pasado de grabaciones hechas antes en la actuación.

En 1958, Columbia-Princeton desarrolló el sintetizador de sonido RCA Mark II , el primer sintetizador programable . Compositores prominentes como Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel y Mario Davidovsky utilizaron el sintetizador RCA ampliamente en varias composiciones. Uno de los compositores más influyentes asociados con los primeros años del estudio fue el egipcio Halim El-Dabh quien, después de haber desarrollado la música electrónica en cinta más antigua conocida en 1944, se hizo más famoso por Leiyla and the Poet , una serie de composiciones electrónicas de 1959 que se destacó por su inmersión y fusión perfecta de música electrónica y folk , en contraste con el enfoque más matemático utilizado por compositores seriales de la época como Babbitt. Leiyla and the Poet de El-Dabh , lanzado como parte del álbum Columbia-Princeton Electronic Music Center en 1961, sería citado como una fuerte influencia por varios músicos, desde Neil Rolnick , Charles Amirkhanian y Alice Shields hasta los músicos de rock Frank . Zappa y la banda experimental de arte pop de la costa oeste .

Tras el surgimiento de diferencias dentro del GRMC (Groupe de Recherche de Musique Concrète), Pierre Henry, Philippe Arthuys y varios de sus colegas renunciaron en abril de 1958. Schaeffer creó un nuevo colectivo, llamado Groupe de Recherches Musicales (GRM) y se dedicó a reclutando nuevos miembros, incluidos Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani y Mireille Chamass-Kyrou. Las llegadas posteriores incluyeron a Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton y François Bayle .

Expansión: 1960

Estos fueron años fértiles para la música electrónica, no solo para la academia, sino también para los artistas independientes a medida que la tecnología de sintetizadores se volvió más accesible. En ese momento, se estableció y creció una sólida comunidad de compositores y músicos que trabajaban con nuevos sonidos e instrumentos. 1960 fue testigo de la composición de Gargoyles de Luening para violín y cinta, así como del estreno de Kontakte de Stockhausen para sonidos electrónicos, piano y percusión. Esta pieza existía en dos versiones: una para cinta de 4 canales y la otra para cinta con intérpretes humanos. "En Kontakte , Stockhausen abandonó la forma musical tradicional basada en el desarrollo lineal y el clímax dramático. Este nuevo enfoque, al que denominó 'forma de momento', se asemeja a las técnicas de 'empalme cinematográfico' de las películas de principios del siglo XX".

).

.

En 1961 Josef Tal estableció el Centro de Música Electrónica en Israel en la Universidad Hebrea , y en 1962 Hugh Le Caine llegó a Jerusalén para instalar su Creative Tape Recorder en el centro. En la década de 1990, Tal llevó a cabo, junto con el Dr. Shlomo Markel, en cooperación con el Technion (Instituto de Tecnología de Israel) y Volkswagen Stiftung, un proyecto de investigación (Talmark) destinado al desarrollo de un novedoso sistema de notación musical para música electrónica.

Milton Babbitt compuso su primer trabajo electrónico utilizando el sintetizador, su Composición para sintetizador (1961), que creó utilizando el sintetizador RCA en el Centro de música electrónica de Columbia-Princeton.

Para Babbitt, el sintetizador RCA fue un sueño hecho realidad por tres razones. En primer lugar, la capacidad de identificar y controlar con precisión cada elemento musical. En segundo lugar, el tiempo necesario para realizar sus elaboradas estructuras en serie se puso al alcance de la mano. En tercer lugar, la pregunta ya no era "¿Cuáles son los límites del actor humano?" sino más bien "¿Cuáles son los límites del oído humano?"

Las colaboraciones también ocurrieron a través de océanos y continentes. En 1961, Ussachevsky invitó a Varèse al estudio de Columbia-Princeton (CPEMC). A su llegada, Varese se embarcó en una revisión de Déserts . Fue asistido por Mario Davidovsky y Bülent Arel .

La intensa actividad que ocurre en CPEMC y en otros lugares inspiró el establecimiento del San Francisco Tape Music Center en 1963 por Morton Subotnick , con miembros adicionales Pauline Oliveros , Ramon Sender , Anthony Martin y Terry Riley .

Posteriormente, el Centro se trasladó a Mills College , dirigido por Pauline Oliveros , donde hoy se conoce como el Centro de Música Contemporánea.

] de Stanley Schaff , actualmente activa en San Francisco ". A través de programas semanales (más de 4500 en 40 años), Shaff "esculpe" el sonido, realizando obras espaciales ahora digitalizadas en vivo a través de 176 altavoces.

Un ejemplo bien conocido del uso del sintetizador modular Moog de tamaño completo de Moog es el álbum Switched-On Bach de 1968 de Wendy Carlos , que desencadenó una locura por la música sintetizada.

En 1969 , David Tudor trajo un sintetizador modular Moog y máquinas de cinta Ampex al Instituto Nacional de Diseño en Ahmedabad con el apoyo de la familia Sarabhai , formando la base del primer estudio de música electrónica de la India. Aquí, un grupo de compositores Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur y Atul Desai desarrollaron composiciones sonoras experimentales entre 1969 y 1973.

Junto con el sintetizador modular Moog, otras marcas de este período incluyeron ARP y Buchla.

Pietro Grossi fue un pionero italiano de la composición por computadora y la música en cinta, que experimentó por primera vez con técnicas electrónicas a principios de los años sesenta. Grossi fue violonchelista y compositor, nacido en Venecia en 1917. Fundó el S 2F M (Studio de Fonologia Musicale di Firenze) en 1963 para experimentar con el sonido y la composición electrónicos.

Música de computadora

Las melodías musicales fueron generadas por primera vez por la computadora CSIRAC en Australia en 1950. Hubo informes de periódicos de Estados Unidos e Inglaterra (antes y recientemente) de que las computadoras pueden haber tocado música antes, pero una investigación exhaustiva ha desacreditado estas historias ya que no hay evidencia para respaldar la teoría. informes periodísticos (algunos de los cuales eran obviamente especulativos). Las investigaciones han demostrado que las personas especulaban sobre las computadoras que reproducían música, posiblemente porque las computadoras hacían ruidos, pero no hay evidencia de que realmente lo hicieran.

La primera computadora del mundo para reproducir música fue CSIRAC , que fue diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard en la década de 1950. El matemático Geoff Hill programó el CSIRAC para tocar melodías musicales populares de principios de la década de 1950. En 1951 interpretó públicamente la " Marcha del Coronel Bogey " de la que no se conocen grabaciones. Sin embargo, CSIRAC interpretó un repertorio estándar y no se usó para extender el pensamiento musical o la práctica de composición, que es la práctica actual de la música por computadora.

La primera música que se interpretó en Inglaterra fue una interpretación del Himno Nacional Británico que fue programada por Christopher Strachey en el Ferranti Mark I, a fines de 1951. Más tarde ese año, una unidad de transmisión externa de la BBC grabó allí extractos breves de tres piezas. : el Himno Nacional, " Ba, Ba Black Sheep ", y " In the Mood " y esta es reconocida como la primera grabación de una computadora para reproducir música. Esta grabación se puede escuchar en este sitio de la Universidad de Manchester . Investigadores de la Universidad de Canterbury , Christchurch, quitaron el clic y restauraron esta grabación en 2016 y los resultados se pueden escuchar en SoundCloud .

Los últimos años de la década de 1950, 1960 y 1970 también vieron el desarrollo de la síntesis de computadora central grande. A partir de 1957, Max Mathews de Bell Labs desarrolló los programas MUSIC, que culminaron en MUSIC V , un lenguaje de síntesis digital directa.

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Música estocástica

Un nuevo desarrollo importante fue la llegada de las computadoras para componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se llama musique stochastique , o música estocástica , que es un método de composición que utiliza sistemas matemáticos de probabilidad. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis usó computadoras para componer piezas como ST/4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambas de 1962), Morsima-Amorsima , ST/10 y Atrées . Desarrolló el sistema informático UPIC para traducir imágenes gráficas en resultados musicales y compuso Mycènes Alpha (1978) con él.

electrónica en vivo

En Europa en 1964, Karlheinz Stockhausen compuso Mikrophonie I para tam-tam , micrófonos de mano, filtros y potenciómetros, y Mixtur para orquesta, cuatro generadores de onda sinusoidal y cuatro moduladores de anillo . En 1965 compuso Mikrophonie II para coro, órgano Hammond y moduladores de anillo.

] de

La carrera artística y musical de Cosey Fanni Tutti exploró el concepto de música 'aceptable' y continuó explorando el uso del sonido como un medio de deseo o incomodidad.

Wendy Carlos interpretó selecciones de su álbum Switched-On Bach en el escenario con un sintetizador con la Orquesta Sinfónica de St. Louis ; otra actuación en vivo fue con Kurzweil Baroque Ensemble para "Bach at the Beacon" en 1997.

En junio de 2018, Suzanne Ciani lanzó LIVE Quadraphonic , un álbum en vivo que documenta su primera actuación en solitario con un sintetizador Buchla en 40 años. Fue uno de los primeros lanzamientos de vinilo cuadrafónico en más de 30 años.

instrumentos japoneses

Primeros órganos electrónicos : Yamaha Electone D-1 (1959)
1964, lo reveló como el R-1 Rhythm Ace, un dispositivo de percusión operado a mano que reproducía sonidos de batería electrónica manualmente cuando el usuario presionaba botones, de manera similar a los pads de batería electrónicos modernos.

Primera caja de ritmos : Korg Donca Matic DA-20 (1963)
" de batería .

y haría más para dar forma a la música electrónica popular que cualquier otra compañía.
Tocadiscos de accionamiento directo :
Technics SL-1200
(presentado en 1972)

El turntablism tiene su origen en la invención de los tocadiscos de accionamiento directo . Los primeros tocadiscos de transmisión por correa no eran adecuados para el tocadiscos, ya que tenían un tiempo de arranque lento y eran propensos al desgaste y la rotura, ya que la correa se rompería por el retroceso o los arañazos. El primer tocadiscos de transmisión directa fue inventado por Shuichi Obata, un ingeniero de Matsushita (ahora Panasonic ), con sede en Osaka , Japón . Eliminó las correas y, en su lugar, empleó un motor para impulsar directamente un plato sobre el que descansa un disco de vinilo. En 1969, Matsushita lo lanzó como el SP-10 , el primer tocadiscos de accionamiento directo del mercado y el primero de su influyente serie Technics de tocadiscos. Fue sucedido por Technics SL-1100 y SL-1200 a principios de la década de 1970, y fueron ampliamente adoptados por músicos de hip hop , y el SL-1200 siguió siendo el tocadiscos más utilizado en la cultura DJ durante varias décadas.

Música dub jamaicana

y la mezcla y el scratching de vinilo.

A pesar del equipo electrónico limitado disponible para los pioneros del dub como King Tubby y Lee "Scratch" Perry, sus experimentos en la cultura del remix fueron musicalmente vanguardistas. King Tubby, por ejemplo, era propietario de un sistema de sonido y técnico en electrónica, cuyo pequeño estudio en el gueto de Waterhouse, en el oeste de Kingston , era un sitio clave para la creación de música dub.

Finales de la década de 1960 a principios de la de 1980

A fines de la década de 1960, los músicos de pop y rock , incluidos los Beach Boys y los Beatles , comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el Mellotron , para complementar y definir su sonido. En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes reconoce la grabación de los Beatles de 1966 " Tomorrow Never Knows " como la canción que "marcó el comienzo de una nueva era en el uso de la música electrónica en el rock y la música pop" debido a la incorporación de la cinta de la banda. bucles y sonidos de cinta invertidos y manipulados por velocidad. También a fines de la década de 1960, el dúo musical Silver Apples y bandas de rock experimental como White Noise y los Estados Unidos de América son considerados pioneros en los géneros de rock electrónico y electrónica por su trabajo en la fusión del rock psicodélico con osciladores y sintetizadores.

en los años siguientes).

Keith Emerson actuando en San Petersburgo en 2008
posterior .

.

La música dub influyó en las técnicas musicales electrónicas adoptadas más tarde por la música hip hop cuando el inmigrante jamaiquino DJ Kool Herc a principios de la década de 1970 introdujo la cultura del sistema de sonido de Jamaica y las técnicas de la música dub en Estados Unidos. Una de esas técnicas que se hizo popular en la cultura hip hop fue tocar dos copias del mismo disco en dos tocadiscos alternativamente, extendiendo la sección favorita de los b-dancers . El tocadiscos eventualmente se convirtió en el instrumento musical electrónico más visible, y ocasionalmente en el más virtuoso , en las décadas de 1980 y 1990.

de 1977 .

En esta era, el sonido de músicos de rock como Mike Oldfield y The Alan Parsons Project (a quien se le atribuye la primera canción de rock en presentar un codificador de voz digital en 1975, The Raven ) solía arreglarse y mezclarse con efectos electrónicos y/o música como bueno, que se hizo mucho más prominente a mediados de la década de 1980. Jeff Wayne logró un éxito duradero con su versión musical de rock electrónico de 1978 de La guerra de los mundos .

.

Después de la llegada del punk rock , surgió una forma de rock electrónico básico, que utiliza cada vez más la nueva tecnología digital para reemplazar otros instrumentos. El dúo estadounidense Suicide , que surgió de la escena punk de Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un híbrido entre electrónica y punk en su álbum homónimo de 1977 .

Las bandas pioneras del synth-pop que disfrutaron del éxito durante años incluyeron a Ultravox con su tema de 1977 "Hiroshima Mon Amour" en Ha!-Ha!-Ha! , Yellow Magic Orchestra con su álbum homónimo (1978), The Buggles con su destacado sencillo debut de 1979 Video Killed the Radio Star , Gary Numan con su álbum debut en solitario The Pleasure Principle y el sencillo Cars en 1979, Orchestral Maneuvers in the Dark con su sencillo de 1979 Electricity apareció en su álbum debut homónimo , Depeche Mode con su primer sencillo Dreaming of Me grabado en 1980 y lanzado en el álbum de 1981 Speak & Spell , A Flock of Seagulls con su sencillo de 1981 Talking , New Order con Ceremony en 1981, y The Human League con su éxito de 1981 Don't You Want Me de su tercer álbum Dare .

New Order actuando en Chile en 2019

La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital facilitaron mucho el desarrollo de sonidos puramente electrónicos, con ingenieros de audio , productores y compositores explorando con frecuencia las posibilidades de prácticamente todos los nuevos modelos de equipos de sonido electrónicos lanzados por los fabricantes. El synth-pop a veces usaba sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, pero era más común que las bandas tuvieran uno o más teclistas en sus formaciones junto con guitarristas, bajistas y/o bateristas. Estos desarrollos llevaron al crecimiento del synth-pop, que luego de ser adoptado por el movimiento New Romantic , permitió que los sintetizadores dominaran la música pop y rock de principios de la década de 1980 hasta que el estilo comenzó a perder popularidad a mediados y finales. de la década. Junto con los pioneros exitosos antes mencionados, los actos clave incluyeron a Yazoo , Duran Duran , Spandau Ballet , Culture Club , Talk Talk , Japan y Eurythmics .

El synth-pop se extendió por todo el mundo, con éxitos internacionales de artistas como Men Without Hats , Trans-X y Lime de Canadá, Telex de Bélgica, Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda y Alphaville de Alemania, Yello de Suiza y Azul y Negro de España. Además, el sonido del sintetizador es una característica clave de Italo-disco .

Algunas bandas de synth-pop crearon estilos visuales futuristas propios para reforzar la idea de que los sonidos electrónicos estaban vinculados principalmente con la tecnología, como los estadounidenses Devo y los españoles Aviador Dro .

Los sintetizadores de teclado se volvieron tan comunes que incluso las bandas de rock de heavy metal , un género a menudo considerado opuesto en estética, sonido y estilo de vida al de los artistas pop electrónicos por fanáticos de ambos lados, lograron éxito mundial con temas como 1983 Jump de Van Halen y 1986 The Final Countdown by Europe , que cuenta con sintetizadores de forma destacada.

Proliferación de instituciones de investigación de música electrónica.

Elektronmusikstudion (EMS), anteriormente conocido como Electroacoustic Music en Suecia, es el centro nacional sueco de música electrónica y arte sonoro . La organización de investigación comenzó en 1964 y tiene su sede en Estocolmo.

IRCAM en la Place Igor Stravinsky, París

STEIM es un centro de investigación y desarrollo de nuevos instrumentos musicales en las artes escénicas electrónicas, ubicado en Ámsterdam, Países Bajos. STEIM existe desde 1969. Fue fundado por Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen , Reinbert de Leeuw y Konrad Boehmer . Este grupo de compositores holandeses había luchado por la reforma de las estructuras musicales feudales de Amsterdam; insistieron en el nombramiento de Bruno Maderna como director musical de la Orquesta del Concertgebouw y consiguieron las primeras ayudas públicas a la música electrónica experimental e improvisada en Holanda.

para 24 músicos y 6 solistas utilizó el 4X para transformar y enrutar a los solistas a un sistema de altavoces.

Barry Vercoe describe una de sus experiencias con los primeros sonidos de computadora:

Sogitec 4X (c. 1983) en la sala de máquinas de IRCAM en 1989

sintetizadores de teclado

Sintetizador Mini-Moog

Lanzado en 1970 por Moog Music , el Mini-Moog fue uno de los primeros sintetizadores ampliamente disponibles, portátiles y relativamente asequibles. Se convirtió una vez en el sintetizador más utilizado en ese momento tanto en la música popular como en la electrónica. Patrick Gleeson , tocando en vivo con Herbie Hancock a principios de la década de 1970, fue pionero en el uso de sintetizadores en un contexto de gira, donde estaban sujetos a tensiones para las que las primeras máquinas no estaban diseñadas.

( 1978).

Gracias a la miniaturización de la electrónica en la década de 1970, a principios de la década de 1980, los sintetizadores de teclado se volvieron más livianos y asequibles, integrando en una sola unidad delgada toda la electrónica de síntesis de audio necesaria y el propio teclado estilo piano, en marcado contraste con la voluminosa maquinaria. y " cable spaguetty " empleado junto con las décadas de 1960 y 1970. Primero, con los sintetizadores analógicos, la tendencia siguió también con los sintetizadores y samplers digitales (ver más abajo).

sintetizadores digitales

En 1975, la compañía japonesa Yamaha obtuvo la licencia de los algoritmos para la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM) de John Chowning , quien había experimentado con él en la Universidad de Stanford desde 1971. Los ingenieros de Yamaha comenzaron a adaptar el algoritmo de Chowning para usarlo en un sintetizador digital, agregando mejoras como el método de "escalado de teclas" para evitar la introducción de distorsión que normalmente ocurre en los sistemas analógicos durante la modulación de frecuencia .

a 57 kHz.
Yamaha DX7 , un modelo para muchos sintetizadores digitales de la década de 1980

El Korg Poly-800 es un sintetizador lanzado por Korg en 1983. Su precio de lista inicial de $ 795 lo convirtió en el primer sintetizador totalmente programable que se vendió por menos de $ 1000. Tenía polifonía de 8 voces con un oscilador controlado digitalmente (DCO) por voz.

. Lanzado en noviembre de 1984, fue uno de los primeros (si no el primero) sintetizadores polifónicos totalmente programables que estuvo disponible por menos de $500.

El Roland D-50 es un sintetizador digital producido por Roland y lanzado en abril de 1987. Sus características incluyen síntesis sustractiva , efectos integrados, un joystick para la manipulación de datos y un diseño de diseño de estilo de síntesis analógica. El programador externo Roland PG-1000 (1987–1990) también podría conectarse al D-50 para una manipulación más compleja de sus sonidos.

Muestreadores

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Fairlight CMI (1979–)

Antes de los samplers basados ​​en la memoria de la computadora, los músicos usaban teclados de repetición de cinta, que almacenan grabaciones en cinta analógica. Cuando se presiona una tecla, el cabezal de la cinta entra en contacto con la cinta en movimiento y reproduce un sonido. El Mellotron fue el modelo más notable, utilizado por muchos grupos a fines de la década de 1960 y 1970, pero tales sistemas eran costosos y pesados ​​debido a los múltiples mecanismos de cinta involucrados, y el rango del instrumento estaba limitado a tres octavas como máximo. Para cambiar los sonidos, se tuvo que instalar un nuevo juego de cintas en el instrumento. La aparición del muestreador

El muestreo digital más antiguo se realizó en el sistema EMS Musys, desarrollado por Peter Grogono (software), David Cockerell (hardware e interfaz) y Peter Zinovieff (diseño y operación del sistema) en su London (Putney) Studio c. 1969.

El primer sintetizador de muestreo comercialmente disponible fue el Computer Music Melodian de Harry Mendell (1976).

Lanzado por primera vez en 1977-1978, el Synclavier I con síntesis FM , con licencia de Yamaha y vendido principalmente a universidades, demostró ser muy influyente entre los compositores de música electrónica y los productores de música, incluido Mike Thorne , uno de los primeros en adoptar el comercial. mundo, por su versatilidad, su tecnología de punta y sonidos distintivos.

El primer sintetizador de muestreo digital polifónico fue el Fairlight CMI producido en Australia , disponible por primera vez en 1979. Estos primeros sintetizadores de muestreo usaban síntesis basada en muestras de tabla de ondas .

Nacimiento de MIDI

En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunió para estandarizar una interfaz que los nuevos instrumentos pudieran usar para comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y computadoras. Este estándar se denominó Interfaz digital de instrumentos musicales ( MIDI ) y fue el resultado de una colaboración entre los principales fabricantes, inicialmente Sequential Circuits , Oberheim , Roland , y más tarde, otros participantes que incluyeron a Yamaha , Korg y Kawai . Dave Smith de Sequential Circuits escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.

La tecnología MIDI permite una sola pulsación de tecla, el movimiento de la rueda de control, el movimiento del pedal o el comando de una microcomputadora para activar todos los dispositivos en el estudio de forma remota y sincronizada, con cada dispositivo respondiendo de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.

Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control poderoso de instrumentos sofisticados fuera fácilmente asequible para muchos estudios e individuos. Los sonidos acústicos se reintegraron en los estudios a través de muestreo e instrumentos basados ​​​​en ROM muestreados.

Miller Puckette desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (después de Max Mathews ) y luego lo transfirió a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode ) para control MIDI en tiempo real, brindando disponibilidad de composición algorítmica a la mayoría de los compositores con una programación informática modesta. antecedentes.

Secuenciadores y cajas de ritmos

junto con un sintetizador para producir música popular, haciendo uso temprano del secuenciador .

Chiptunes

El sonido lo-fi característico de la música de chip fue inicialmente el resultado de las limitaciones técnicas de los chips de sonido y las tarjetas de sonido de las primeras computadoras; sin embargo, desde entonces el sonido se ha vuelto buscado por derecho propio.

Los chips de sonido populares y baratos comunes de las primeras computadoras domésticas de la década de 1980 incluyen el SID de la serie Commodore 64 y General Instrument AY y los clones (como el Yamaha YM2149) utilizados en los modelos ZX Spectrum , Amstrad CPC , MSX compatibles y Atari ST , entre otros. .

Finales de la década de 1980 a 1990

El auge de la música dance

El synth-pop continuó hasta fines de la década de 1980, con un formato que se acercó más a la música dance, incluido el trabajo de actos como los dúos británicos Pet Shop Boys , Erasure y The Communards , logrando el éxito durante gran parte de la década de 1990.

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Avances

Otros desarrollos recientes incluyeron la composición de Tod Machover (MIT e IRCAM) Begin Again Again para " hipercello ", un sistema interactivo de sensores que miden los movimientos físicos del violonchelista. Max Mathews desarrolló el programa "Conductor" para controlar el tempo, la dinámica y el timbre en tiempo real de una partitura electrónica pre-entrada. Morton Subotnick lanzó un CD-ROM multimedia Todos mis colibríes tienen coartadas .

2000 y 2010

Weekend Festival , un evento de música electrónica en Pärnu , Estonia , en 2016

A medida que la tecnología informática se ha vuelto más accesible y el software musical ha avanzado, ahora es posible interactuar con la tecnología de producción musical utilizando medios que no guardan relación con las prácticas tradicionales de interpretación musical : por ejemplo, la interpretación con una computadora portátil ( laptronica ), la codificación en vivo y Algorave . En general, el término Live PA se refiere a cualquier presentación en vivo de música electrónica, ya sea con computadoras portátiles, sintetizadores u otros dispositivos.

Alrededor del año 2000, surgieron algunos entornos de estudio virtual basados ​​en software, y productos como Reason de Propellerhead y Ableton Live encontraron un atractivo popular. Estas herramientas brindan alternativas viables y rentables a los típicos estudios de producción basados ​​en hardware y, gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , ahora es posible crear música de alta calidad usando poco más que una sola computadora portátil. Tales avances han democratizado la creación musical, lo que ha llevado a un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet. Los instrumentos basados ​​en software y las unidades de efectos (los llamados "complementos") se pueden incorporar en un estudio basado en computadora utilizando la plataforma VST. Algunos de estos instrumentos son réplicas más o menos exactas de hardware existente (como el Roland D-50, ARP Odyssey, Yamaha DX7 o Korg M1). En muchos casos, estos instrumentos basados ​​en software son sónicamente indistinguibles de su contraparte física.

flexión del circuito

La flexión de circuitos es la modificación de juguetes y sintetizadores que funcionan con baterías para crear nuevos efectos de sonido no deseados. Fue iniciado por Reed Ghazala en la década de 1960 y Reed acuñó el nombre de "flexión de circuito" en 1992.

Renacimiento de sintetizadores modulares

Siguiendo la cultura de la flexión de circuitos, los músicos también comenzaron a construir sus propios sintetizadores modulares, lo que provocó un interés renovado en los diseños de principios de la década de 1960. Eurorack se convirtió en un sistema popular.

Ver también

musica electronica en vivo

notas al pie

Fuentes

Otras lecturas